Algún día en alguna parte

Las Cartas de Van Gogh.

Posted in Noticias by Alguien on 2 octubre 2009

La editorial Thames and Hudson ha reunido en una única obra las 900 cartas que Van Gogh escribió y dibujó a lo largo de su vida y que aún se conservan. Escritas en holandés y en un francés excelente, estas misivas, que incluyen numerosos esbozos de sus obras, son estudiadas desde hace más de un siglo pero nunca se habían reunido todas para su publicación. El resultado: seis volúmenes con más de 2.000 dibujos, 2.240 páginas y que verán la luz en tres lenguas distintas: holandés, francés e inglés.

Texto: Isabel Ferrer. Ámsterdam. El País.com – 02/10/2009.


Cuando Vincent van Gogh, prolífico y atormentado pintor holandés, se suicidó de un tiro en el pecho a los 37 años el 29 de julio de 1890, llevaba en su bolsillo una carta inacabada para su hermano, Theo, marchante de arte. La imagen es romántica, trágica y evoca a la perfección el mito del artista genial superado por la vida. La misiva que contenía el último aliento de Van Gogh es una de las 900 que el pintor escribió y dibujó (plenas de esbozos de los cuadros que pensaba ejecutar). También las llenó de planes fallidos para formar una comunidad de artistas, de sueños y de desengaños creativos y místicos. Escritas en holandés y en un francés excelente, han sido estudiadas por los expertos desde hace más de un siglo. Pero nunca se habían reunido en su integridad. Hasta ahora.

Han sido 15 años de trabajos compartidos por el Museo Van Gogh de Ámsterdam, y el Instituto Huygens, de la Real Academia holandesa de Artes y Ciencias. Juntos han reunido el mayor epistolario ilustrado de la historia: seis volúmenes con más de 2.000 dibujos y en tres ediciones distintas (en holandés, francés e inglés). Los expertos ya hablan del libro sobre arte más importante del año, si no de la década.

Para presentarlo, el museo holandés ha organizado una exposición con los más de 340 cuadros descritos en una selección de 120 cartas, que mostrará hasta el 3 de enero. Titulada Las cartas de Van Gogh: habla el artista, el doble retrato que dibuja la muestra habría satisfecho a un pintor que firmaba sólo con su nombre, Vincent, como Rembrandt. “Cuando trabajo siento una confianza sin límites en el arte y en mi éxito futuro”, le escribió en 1883 a Theo, desde su refugio en Francia. Allí pudo presentarle colegas como Cézanne, Gauguin, Toulouse-Lautrec o Seurat.

Porque a pesar de la imagen de artista extremo que devuelven estas cartas, Van Gogh no vivió aislado. Su obra era lo más importante, eso sí. Y confiaba en sus cuadros como el único testimonio posible de que una vez estuvo allí. Con las mismas personas que no le comprendían la mayoría de las veces. “Espero no trabajar para mí mismo. Creo en la necesidad de una nueva forma de vida artística, con su propio colorido. Si trabajamos con esa fe, tenemos una oportunidad”. Dado que el pintor era hijo de un pastor calvinista, al que trató de emular al principio, es fácil atribuirle cierto tono de sermón a algunos de sus escritos. Lo indudable es el fervor casi religioso en la forma de abordar su arte.

En 1883, otra carta denota la sublimación que el pintor hace de su trabajo. Le confiesa a su hermano la necesidad, y la obligación, que tiene de pintar. “No creo que viva mucho, pero tengo el deber -dado que he estado en este mundo 30 años- de dejar una muestra de gratitud en forma de dibujos y pinturas”, dice. Theo van Gogh, que le sobrevivió apenas un año y falleció a los 34, guardó sus cartas con el amor y la dedicación que le mostró durante toda su vida. Introductor de impresionistas como Monet y Degas, trabajaba con un marchante parisiense y antepuso la ética a los lazos de sangre. Nunca promocionó a Vincent desde su galería. Eso sí, le pasó una asignación mensual hasta su muerte, le envió los materiales necesarios y trató de hacerle un hueco en el mundo artístico francés hasta el final.

La correspondencia demuestra que la compenetración entre Vincent y Theo nunca se debilitó. Las misivas fueron una forma de confesión laica interrumpida sólo por el suicidio del artista en Francia. “A pesar de mi torpeza, o tal vez por ello, por lo que aparento ser ante los demás: una nulidad, un tipo raro, o un ser humano desagradable sin un lugar propio en el mundo, deseo mostrar el verdadero corazón de ese ser extraño”, le escribe en agosto de 1880. En junio de ese mismo año había admitido ser “un hombre de pasiones capaz de hacer tonterías que luego lamento”. Más adelante, reconoce sueños como éste: “Quiero que la gente pueda decir que ese hombre, yo mismo, siente a fondo las cosas”.

Es un epistolario único. La madre de todas las correspondencias, si se quiere, porque nunca se había analizado tan a fondo la obra pictórica y escrita de un artista”, aseguraban ayer expertos del Museo Van Gogh. La verdad es que, esfuerzos eruditos aparte, el Van Gogh pintor bien podría haberse ganado la vida como cronista. Estructuradas, con una exquisita caligrafía y un dominio casi literario -de su lengua materna y después del francés-, el pintor se revela como un buen narrador que crea una obra escrita compacta. Habla con delirio de los colores que pondrá en una tela aún no pintada (“los rojos, naranjas y violetas del crepúsculo”) para disertar luego sobre la esencia de la vida. “Mantengo el fuego vivo“, escribe una vez, para añadir en otra línea: “Si es preciso, no tengo inconveniente en meterme en líos en beneficio de mi obra”. Sin esperar respuesta, busca una salida a sus afanes en otra anotación. “Si dejo de buscar, estoy perdido; pobre de mí”.

Si en el género epistolar se muestra delicado, para los cuadros reservó las paletadas gruesas, veloces. Rasgos precursores del arte moderno. Y en la modernidad más evidente, todo este esfuerzo de reunión de un legado epistolar inigualable, podrá seguirse a través de Internet a partir del 8 de octubre. En www.vangoghletters.org, aparecerán, en inglés, las cartas y los cuadros que las acompañan.

Enlaces externos.
La Galería de Vincent van Gogh. Sitio avalado por el Van Gogh Museum, Ámsterdam
Van Gogh Museum, Ámsterdam.
Van Gogh Gallery.
Galería Wielciy Malarze (Polonia).
Pinturas Zoomables de Vincent van Gogh
Pinturas de Vincent van Gogh
Museo Thyssen. Van Gogh.Los últimos paisajes.
Vincent van Gogh’s Letters
Cartas. (inglés)
Vincent van Gogh: Una Galería de Arte Virtual
Cronología ilustrada de Vincent Guillaume van Gogh (1853-1890)
Genios de la pintura. Avalado por www.artehistoria.com
Vicent, entre el genio y la locura. Avalado por ww.lavanguardia.es
Van Gogh: Los últimos paisajes
62 digitized objects related to van Gogh in The European Library
El cine pinta a Van Gogh. Sitio avalado por www.decine21.com
Vincent Van Gogh en allpaintings.org (550 obras)
Libro “Ultimas cartas desde la locura”. Edit. elaleph. 1999. Descargar Pdf.
Suicidio y entierro de Van Gogh.
La noche estrellada. Blog dedicado a Vicent Van Gogh.
Vicent van Gogh. Vida y obra. Blog.
Video homenaje a Vicent van Gogh. (YouTube).

In Memoriam: Felíx Antonio González.

Posted in Memorias by Alguien on 1 octubre 2009

Félix Antonio González (Valladolid, 1921 – 2009).

El poeta, periodista y pintor Félix Antonio González falleció este martes 28 de septiembre a los 88 años de edad. González nació en en Valladolid, en la Calle de Esgueva, título de uno de sus libros. Es hijo del compositor Félix Antonio, y creció en un ambiente literario y artístico; desde los ocho años pintaba y escribía. Estudió Filosofía y Letras y Derecho, e ingresó, como crítico de literatura, música y pintura en “Diario Regional“, periódico del que fue redactor-jefe a los 21 años de edad. Actualmente trabajaba como redactor de El Norte de Castilla, a través de sus Ripios, su personal manera de describir la actualidad.

Adiós a Félix Antonio González.

Guernika de Picasso en 3D.

Posted in Andanzas by Alguien on 3 septiembre 2009

El Guernika es un cuadro al óleo, de 777×349 cm, que Pablo Picasso presentó en 1937 en la Exposición Internacional de París. La tela, en blanco y negro, representa el bombardeo sufrido por la ciudad española de Guernika el 26 de abril de 1937 por aviones alemanes y actualmente está expuesta en el Centro Nacional de Arte Reina Sofía, en Madrid.

El pintor malagueño, quien entonces vivía en París, supo de la masacre por los periódicos y pintó las personas, animales y edificios destruidos por la fuerza aérea nazi, tal como los vio en su imaginación.

Una artista de Nueva York, Lena Gieseke, quien domina las más modernas técnicas de infografía digital, ha creado una animación en 3D de esta célebre obra que, bajo el título  A 3D Exploration of Picasso’s Guernica,  ha colocado en Internet, en formato de video. El resultado es fascinante y nos permite visualizar los detalles que, de otro modo, nos pasarían desapercibidos. Esta técnica innovadora se revela como un poderoso instrumento para comprender mejor la forma de trabajar del pintor y de cómo funcionaba su imaginación.

Sitio oficial: www.lena-gieseke.com/guernica/movie.html

The Discovery of Spain. National Gallery of Scotland.

Posted in Andanzas by Alguien on 15 julio 2009

Del 18 de julio al 11 de octubre de 2009.

El Ministerio de Cultura colabora en esta gran exposición temporal dedicada a la cultura española que organiza en su sede la National Gallery de Edimburgo. Prestan también su apoyo la Oficina de Turismo de España en el Reino Unido, el Consulado de España en Edimburgo y la Universidad de Edimburgo.

Las más de 130 obras (pinturas, acuarelas, fotografías…) mostradas en The Discovery of Spain exploran el entusiasmo que se originó entre 1800 y la década de 1930, en Gran Bretaña, hacia la arquitectura, la moda y la pintura de nuestro país. La exposición, a través de un recorrido por los gustos e influencias de los coleccionistas y artistas hispanófilos, ofrece destacados ejemplos del arte español y revive la emoción de este periodo, enmarcado por las figuras de Goya y Picasso. En ella se exhibe una selección de importantes obras representativas de la colección del arte español en Gran Bretaña, considerada como el mejor conjunto de pintura española del Siglo de Oro fuera de nuestras fronteras, y se dan a conocer sorprendentes trabajos de Velázquez, Murillo, Zurbarán y El Greco. Todo ello está contenido en los distintos espacios en que se organiza la muestra: La época de Goya; El paisaje y lo pintoresco; Soñando con el Sur: la España musulmana; El “descubrimiento” británico del Siglo de Oro español; El culto a Velázquez; El color y la luz y Artistas británicos y la Guerra Civil española

La exposición se completa con un intenso programa de actividades para adultos (representaciones teatrales, veladas musicales…) y para colegios y grupos. El Ministerio de Cultura participa también en estas actividades con la programación de un concierto a cargo del grupo La Folía, grupo de música barroca, con su repertorio Música instrumental del tiempo de Velázquez, el 22 de julio en las salas de la National Gallery. Además, está prevista la celebración de una gran conferencia internacional en octubre, alrededor de las cuestiones que plantea la exposición.

Más información en español (PDF: 172 Kb)
Nota de prensa de la National Gallery of Scotland (inglés) (PDF: 153 Kb)
Enlace a la exposición en la National Gallery of Scotland.

El Grito. Edvard Munch.

Posted in Andanzas by Alguien on 8 julio 2009

 “Caminaba yo con dos amigos por la carretera, entonces se puso el sol; de repente, el cielo se volvió rojo como la sangre. me detuve, me apoyé en la valla, indeciblemente cansado. lenguas de fuego y sangre se extendían sobre el fiordo negro azulado. Mis amigos siguieron caminando, mientras yo me quedaba atrás temblando de miedo, y sentí el grito enorme, infinito, de la naturaleza”.

 

El Grito de Edvard Munch es una de las más célebres pinturas de todos los tiempos y es uno de los más reconocibles iconos culturales de nuestro tiempo. No es de extrañar. Sus colores estridentes, sus rotundas pinceladas y sus retorcidos trazos lo convierten en una de las más realistas expresiones de la angustia y del dolor del ser humano.

Por eso, tampoco es extraño, que la historia que hay detrás de este cuadro sea tan tortuosa como los trazos que lo componen.

Leer artículo completo en Historias con Historia.

Matisse: 1917-1941, en el Thyssen.

Posted in Andanzas by Alguien on 9 junio 2009

Del 9 de junio al 20 de septiembre de 2009

Desde el 9 de junio, el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid presenta la exposición Matisse, 1917-1941, un recorrido por la obra del artista en lo que fue el tramo central de su carrera. Para llevarla a cabo el comisario de la muestra ha seleccionado 74 pinturas, esculturas y dibujos procedentes  de los fondos de unos cincuenta museos y colecciones particulares de todo el undo. La mayoría de estas obras no han sido nunca expuestas en España.

Matisse, 1917-1941 se propone analizar la obra del pintor francés durante un largo período al que  se ha venido prestando menos atención que a los tramos inicial y final de su trayectoria artística, y trata de entender sus claves a la luz del clima artístico de la época en que fue hecha. Marcada  por la sombra de la Primera Guerra Mundial y la premonición de la Segunda ésta fue, para el arte  moderno, una época de ascenso rápido y de creciente implantación pública. En esa oleada  ascendente Matisse ocupó desde el comienzo, junto a Picasso, un lugar central. Fue  precisamente para asumir esa centralidad para lo que decidió alejarse de París, aislarse en Niza y  sumergirse en la investigación sistemática de las condiciones de la nueva pintura.

Kafka, el visionario. Sofía Gandarias.

Posted in Andanzas by Alguien on 2 junio 2009

Sofía Gandarias
KAFKA, DER VISIONÄR
am 28. Mai 2009 um 19 Uhr

La artista vasca Sofía Gandarias presenta en Berlín a un Franz Kafka más expresionista que nunca, de la mano de la muestra “Kafka, el visionario“, que combina la fuerza de la pintura con el misterio del sonido.

Kafka, der Visionär” (“Kafka, el visionario”) pretende rendir homenaje al que fue uno de los máximos representantes de la literatura universal, prolífico en todos los géneros, y capaz de adentrarse en los recovecos más ocultos del existencialismo humano.

La puesta en escena de la galería “Haus am Kleistpark” recorre la obra del célebre escritor checo, amante de la lengua alemana y que falleció con tan sólo 40 años, a través de 64 lienzos.

Estructurada a modo de laberinto, la exposición se completa con una instalación musical, en la que uno puede escuchar una serie de graznidos de cuervo con los que se pretende llevar al espectador a imaginar la simbiosis entre culpa y poder, luces y sombras, dolor y muerte.

Nacida en la ciudad bilbaína de Guernica, Gandarias ha plasmado la historia del siglo XX a lo largo de su carrera a través de interpretaciones pictóricas de la obra de grandes escritores y pensadores que no dejaron de luchar contra la guerra y la violencia.

«En 2002 pensaba que tenía que pintar a Kafka porque me fascinaba su mundo. Él nos contó los extremos del Holocausto, aunque murió en 1924», reflexiona la artista de Gernika. «Reflejó en sus libros y en su correspondencia las angustias del siglo XX». Al cabo de cuatro años, la obsesión se convirtió en inspiración cuando Gandarias, acompañada por la música de Dvorák, cogió el pincel y creó una metáfora, donde muestra la imagen del escritor sobre una lápida. «Pinté a Kafka en el cementerio porque los nazis acabaron con la vida judía en Checoslovaquia».

Los cuadros son grises, carecen de alegría y están cargados de melancolía. Aparecen alambres de espino, un material que se utilizaría en los campos de concentración, y se combinan los retratos de personalidades de la literatura, la política y la Iglesia con la mirada triste y desesperada de Kafka. Como el lienzo donde aparece Benedicto XVI. «Lo pongo frente a Kafka para enfrentarlo a lo que pasó, pero no quiero culparlo».

Un mundo interior plagado de fuerza creativa y conciencia histórico-social, que la artista ha imprimido a sus lienzos, desde que comenzara a pintar en la época que siguió a la dictadura franquista y paralelamente al desarrollo de la democracia española.

Con un estilo a caballo entre el neo-expresionismo y el simbolismo-surrealismo con el que retrata a los máximos mártires de la humanidad, sus obras han recibido ya elogios en galerías de Bruselas, Venecia, Eslovenia y París, entre otras ciudades.

Comisariada por el realizador y dramaturgo italiano Gianfranco de Bosio, la exposición podrá visitarse en la galería “Haus am Kleistpark” desde el 29 de mayo al 28 de junio.

En Algún día: Franz Kafka.

Joaquín Sorolla (1863-1923) en el Museo del Prado.

Posted in Andanzas by Alguien on 26 mayo 2009

Del 26 de mayo al 6 de septiembre 2009

Comisarios: José Luis Díez, Jefe de Conservación de Pintura del Siglo XIX y Javier Barón, Jefe de Departamento de Pintura del Siglo XIX
Salas: Edificio Jerónimos A, B, C y D

Joaquín Sorolla (1863-1923) es la primera gran exposición antológica que el Prado dedica a este gran maestro del siglo XIX y la más importante celebrada tanto dentro como fuera de España, donde no ha habido ninguna exposición de estas características e importancia aunque sí otra gran muestra monográfica de carácter antológico que se celebró en 1963 en las salas del Casón del Buen Retiro, organizada entonces por el Ministerio de Educación y Ciencia. La exposición muestra por primera vez más de un centenar de pinturas de Sorolla, el pintor español de mayor proyección internacional de su tiempo y una de las figuras capitales de la historia del arte española, en un ambicioso recorrido sobre lo mejor de su producción que incluye los catorce paneles de la Visión de España pintados para la Hispanic Society of America traídos a España en el año 2007, por Bancaja, entidad patrocinadora de la muestra.

Además de la colaboración de numerosas colecciones privadas e instituciones de todo el mundo, especial agradecimiento merece la contribución del Museo Sorolla (Madrid) que aporta a la exposición un conjunto de catorce obras entre las que se incluyen varias de las más destacadas obras maestras del artista.

Sitio oficial: Museo del Prado.

Más información.

Jueves y Santo.

Posted in Pareceres by Alguien on 9 abril 2009

Tríptico de la Pasión

Firmado: “Jheronimus Bosch” El Bosco

h.1510 – 1515

Óleo sobre tabla, Coronación de espinas 139.5 x 169.8 cm,

Prendimiento 150.5 x 82.2 cm, Flagelación 150.1 x 82.5 cm.

 

In Memoriam: Pablo Picasso, genio y chamán.

Posted in Memorias by Alguien on 8 abril 2009

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Clito Ruiz y Picasso, (Málaga, 25 de octubre de 1881 – Mougins, Francia, 8 de abril de 1973), conocido simplemente como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español. Hoy se cumplen 36 años de su fallecimiento. In Memoriam:

 

Yo Picasso”: genio y chamán. Texto: Cristina Castelo poeta y periodista. Buenos Aires /París. Fuente: Rebelión.

 

«Yo, Picasso» era su frase favorita. Fue un desesperado por la vida y la arrasó. No tuvo límites. Ni para crear, ni para doblegar. Ni para beberse el arte, el alcohol y los burdeles; ni para encerrarse en silencio, para crear. El 8 de este abril se cumplen los treinta y seis años de su adiós (¿A Dios?). Hoy grita, gime, increpa y resiste desde el «Guernica», su obra maestra. Desde ese cuadro que es historia, que escribió la Historia, y que es emblema de libertad, «Yo, Picasso» sigue alertando a los inocentes de la Tierra. En el corazón de este mundo trémulo, su clamor pictórico y vital tiene hoy, aún más entidad.

Niño prodigio y superdotado; comunista y pacifista, o burgués. Tierno y cruel; amigo y traidor… aquella vez. Aunque ardió en su fuego, salió siempre ileso, él. Calcinaba a los otros. A las otras. Las mujeres eran sus diosas, pero también, «frazadas para limpiar pisos» y «máquinas para sufrir». Sus ojos desorbitaban destinos. Lo rodeó la muerte y lo abrazó la vida, hasta los 91, cuando nos dejó. ¿Quién fue: Eros o Tánatos?

Fue un chamán, un genio; el mayor artista del siglo XX y hasta ahora sin parangón. Pintor, escultor, grabador, dibujante, su obra fue decisiva para el desarrollo del arte, incluso para el diseño gráfico, la ilustración y el cómic. Ganó un dinero incalculable; mientras otros artistas morían de hambre, él vivía en castillos y, cuando sus obras los desbordaban, no los vendía: compraba otros.

Se declaraba pacifista y fue miembro del Partido Comunista Francés, hasta su adiós. Pero si bien la obra del Picasso de los 20 años, refleja el desconsuelo de los excomulgados de la humanidad, el de los cuerpos abismados, y el de los ciegos, después nunca mostró explícitamente un compromiso con el dolor universal. Hasta que el demonio nazi aliado a ese otro amo de los infiernos —el Generalísimo español Francisco Franco— se encaramó en pájaros asesinos. Pájaros-aviones que bombardearon la ciudad vasca de Guernica el 26 de abril de 1937, y la muerte puso huevos en la herida. ¡Oh ruiseñor de sus venas! (García Lorca).

El chamán Picasso reaccionó de inmediato en favor de los republicanos. Henchido de ira y pletórico de arte, pintó el célebre «Guernica».

El «Guernica» — ese extracto de universo sin palomas. El «Guernica»— ese extracto de sangre, rebeldía y llanto, a partir del cual hay un antes y un después. Un antes y un después para la pintura; un antes y un después —o debería haberlos— en las conciencias de quienes miran esos tres metros de alto y ocho de largo, de arte, furia y piedad.

Con esta pintura, nada más —y nada menos—, que está en el Museo «Reina Sofía» de Madrid, hubiera sido suficiente para la gloria del genio.

El «Guernica» es un alegato contra la guerra, contra el terrorismo franquista y contra todo fascismo. La violencia, las madres, las mujeres, la maternidad, la sexualidad, laten en esa obra, como un retrato del espanto. Fragmentos de vidas y muertes, son pequeñas imágenes de la gran imagen de un caos organizado, en la obra suprema que exige Libertad.

De un lenguaje pictórico sorprendente, es el trabajo de un maestro de la composición que revela, a la vez, la mirada inocente de un niño.

Así fue Pablo Picasso. De pequeño pintó como un adulto, y recién en su madurez, recuperó su mirada de infante: « Desde niño pintaba como Rafael, y me llevó toda una vida aprender a dibujar como un niño». Cierto, no es fácil recuperar la inocencia.

Pero nunca estuvo solo para buscar su mirada virgen; un año antes de morir, cuando tenía ya 90, dijo que la muerte fue la única mujer que lo acompañó siempre. Y entonces, las trece diosas «oficiales» que fueron sus frazadas para limpiar pisos y que, sin embargo, lo amaron incluso hasta el suicidio… ¿Qué hicieron?

Animal en celo. Quiso ser libre como el mar, y resultó esclavo de su sed hacia todo y hacia todas. Como un animal en celo, necesitaba de las mujeres, con la misma potencia con que las mimaba primero, y maltrataba después. Se desesperaba por las adolescentes, quería probar toda forma de sexo, ahogarse de pasión para mejor emerger. Si hasta fue sospechado de homosexual por el novelista Norman Mailer. ¡Vaya «delito»!

Después de haber pintado «El picador», en La Coruña a los cuatro años, se enamoró de Carmiña. Él tenía diez octubres; ella es «La niña de los pies descalzos», cuadro que el Maestro conservó hasta su adiós.

Jadeante de deseo y tórrido de delectaciones, de allí en más todos sus amores —¿sabía amar?— se convirtieron en pinturas. Por sus etapas: azul, rosa, cubista, la de cercanía al surrealismo, la expresionista, las de las máscaras africanas —por todas, después de Carmiña— desfilaron muchas de sus mujeres. La cupletista célebre Josefa Sebastiá— «La Chelito»; las que surgieron de aventuras, producto de la frecuentación de cabarés de París, Barcelona y Madrid y más.

Hasta que llegó —le llegó— Fernande Olivier. Con ella convivió en el barrio de Montmartre, en París, pero se escapó del hogar para crear otro con Eva Gouel, a quien llamaba «Ma Jolie» («Mi Linda»).

1917 le regaló a Olga Koklova, bailarina del ballet ruso, al que abandonó por Don Pablo Ruiz Picasso, llamado así hasta que —por rechazo hacia su padre— comenzó a firmar sólo son el apellido de su mamá. Al año siguiente se casaron: la princesa fue la única esposa de Picasso ante la ley; a partir de entonces, se integró la «alta sociedad» y vivió como un burgués. La rusa aristocrática, se había presentado ante él, altiva:

—«Soy Olga Koklova, la sobrina del Zar», tronó como si susurrara, al tiempo que descubría su escote de aguas sediciosas frente al sediento de toda sed.

Bellísima sobre su metro 55 de estatura, en las obras de su esposo apareció como una tonta, empecinada, e insatisfecha. ¿Existe la realidad o existen los ojos que la miran?

El primer hijo de ambos, Paulo, nació tres años más tarde, y ayudó a disimular el fin del amor, que se anunciaba. Con sus monerías infantiles, regocijaba a las arenas de la Costa Azul, al tiempo que la decadencia de la pareja encontraba su apogeo.

Como si su vida hubiera sido un best-seller, la historia del Genio estuvo signada también por la tragedia. Paulo, con quien siempre había sido indiferente, murió de cirrosis y alcohólico; y —por una perversión del destino— su nieto Pablito se suicidó el día de la muerte del artista, pues Jacqueline Roque, su última y dictadora compañera, no lo dejó entrar al funeral. El pequeño bebió cantidades de lavandina, y se fue de la Tierra… ¿Con su abuelo, a Dios?

Picasso había fumado opio en París con Apollinaire, Mirbeau, Lautrec y Modigliani. Buscaban semillas de sueños para sembrar la aurora. Fumaban para soñar. Y como un sueño llegó a su vida Marie-Thérèse Walter, cuando ella tenía 17 años y él 46. Era 1927.

El deseo erótico se sumaba al placer de la aventura; el secreto de los encuentros era absoluto, para evitar problemas con la ley, por la edad de la adolescente. Cuando nació María concepción, Maia, la hija de los dos, Olga fue abandonada. Y también, a su turno, Marie-Thérèse, quien, sin embargo, siguió asistiéndole con devoción: le cortaba las uñas y el pelo y las guardaba, en un orden cronológico estricto, pues él temía que le hicieran brujerías. Escribió a su amado durante treinta años; y finalmente, cuando él murió, se suicidó en la casa de Picasso en la Costa Azul.

Los ojos verdes de la fotógrafa yugoslava Dora Maar, le llegaron de la mano de Paul Éluard y su dulce esposa Nush, quienes los presentaron en un café de París. Corría 1936 y el chamán cayó rendido ante su belleza e inteligencia. Pero… ¿Es que él se rendía ante algo o alguien?

No, también desertó de aquella mirada esmeralda, para tomar de la mano a Françoise Gilot, en 1943, con quien tuvo otros dos hijos: Claude y Paloma.

Dora, brillante y talentosa, había fotografiado toda la etapa del Guernica, mientras sufría escenas de celos, que continuaron después de la separación. Cada vez que él la encontraba con alguna posible pareja, hacía escándalos mayúsculos; para su delirio, cada mujer llevaba la «marca Picasso» y a ella se debía. Dora terminó en un manicomio, y finalmente se hizo profundamente religiosa.

Fue Jacqueline Roque, su última mujer, la única que pudo dominarlo, bueno… apenas; trató de aislarlo de sus amistades, hijos y nietos, lo acompañó hasta el final. Después de la muerte de Picasso en 1973 en Mougins, Francia, se pegó un tiro, pues no encontraba un sentido a la vida, sin él. Están enterrados juntos, en los jardines del Palacio de Vauvenargues, que Picasso había comprado, pero donde nunca había vivido, en la Riviera Francesa. Mientras se comía la vida, sin saberlo, había preparado su propio sepulcro, suntuoso.

El arte a quemarropa. Casi todas sus mujeres escribieron libros sobre él. Pero cuando Françoise Gilot, publicó «Mi Vida Con Picasso», él no quiso ver nunca más a los hijos de ambos, Claude y Paloma. Con la única que se frecuentaba a veces, era con Maia, hija de Marie-Thérèse, se recordará. Ya grande, ella reconoció que su padre hubiera deseado guardar consigo a todas las mujeres; como un coleccionista, las clasificaba por color, forma y espíritu. Como a las mariposas.

¿Cuál de sus mujeres fue la más amada, si es que amó a alguna, más allá del ansia de poseerlas todas? Quizás lo fue la más oculta, la poeta Geneviève Laporte, más de 40 años más joven que él, bella, refinada, sutil. Aparentemente la relación duró un lustro, pero jamás la olvidó. «Nunca podré ser más que tus pinceles /Ser obra de tus manos /Estar dentro de ti», reza un fragmento de alguno de sus poemas para él.

Pero todas le escribieron versos. Y también él escribió, entre cuyos libros, el más conocido es la obra de teatro «El deseo agarrado por la cola». Él lo podía todo. ¿Todo?

El poeta Guillaume Apollinaire lo escuchaba y acompañaba, con el afecto de los amigos verdaderos. Curiosa vida: en 1911 un empleado suyo robó algunas estatuillas del Museo del Louvre y las vendió a Picasso. Apollinaire fue detenido por la policía francesa y el genio fue llamado a declarar. Dijo no conocer en absoluto al poeta. Fue una traición.

¿Y cómo llamar a las expresiones de Joan Miró, cuando, con su esposa Pilar, se enteró de la muerte del gran Maestro? «Pilareta —se alegró— desde ahora el número uno soy yo».

Cada palabra es un autorretrato: aquí, el de Monsieur Miró.

Pablo Picasso dejó un imperio y sus herederos viven en torno de su fortuna; salvo Paloma Ruiz Picasso, hija del pintor y de Françoise, que tiene su propio imperio de fragancias, joyas y bolsos. A ella le correspondieron 30.000 millones de la herencia, es dueña… hasta de rascacielos y, con su hermano Claude, compraron la isla Petalious en Grecia, a la cual casi no van. Amaba a su papá: le importaba su inteligencia y su bohemia; ríe cuando cuenta que —ante ciertos gastos— le escuchaba siempre la misma respuesta: «¿Crees que eres la hija de Rockefeller?».

Picasso, ¿Eros, Tánatos, o ambos? Quizá ninguno. Picasso era un genio, y a los genios no se los suele medir con la misma vara que a todos. Tienen la «pasión del Absoluto», de la que escribió Louis Aragon, aunque no se refería a ellos. Son seres para quienes nada es suficientemente «algo».

Aunque tengan una vida social activa, están aislados. Necesitan encontrar-se en la soledad, su único lugar posible. ¿Saben amar? El arte es un amante tan exigente que quiere al hombre todo entero, según Miguel Ángel Buonarroti. «Nunca podré ser más que tus pinceles», había comprendido sabiamente Geneviève.

¿Hay un lugar cierto para alguien más, en la vida de un genio o de un artista? No, salvo si ese alguien sólo acompaña como una «frazada para limpiar pisos» ; o si es capaz de no perder su propia libertad interior y de conservar su propio mundo, en lugar de subordinarse al genio y dedicarse a la ceremonia de su adoración. Una de las pocas excepciones fue la conducta de Johann Sebastian Bach, quien tuvo una cotidianidad aparentemente normal. No hay muchas más.

Aunque transiten las sombras, ellos tienen gula de luz. Tienen furia de hurgar en sus propias ventanas, hacia adentro, para encontrar ese nido celeste. Esa parte de Infinito que justifica y explica el arte, para de vivir entre el cielo y la tierra con aspiración de eternidad.

El mundo es hoy una boa devoradora de vidas. Pueda Picasso, pueda el «Guernica» estremecer otra vez el corazón del hombre. Y que la Justicia «rompa sus andrajos grotescos de farándula, se escape de la pista, se meta por la puerta falsa, donde los mercaderes del mundo dirigen los destinos del hombre, y esa Justicia, pida la palabra » (León Felipe).

* Este artículo es de libre de reproducción, a condición de respetar su integralidad y de mencionar a la autora.

Andy Warhol en el Grand Palais de París.

Posted in Andanzas by Alguien on 18 marzo 2009

Warhol’s Wide world es el título de la retrospectiva del gran genio del arte pop Andy Warhol (1928-1987) que se podrá ver en el Grand Palais de París a partir de hoy y hasta el 13 de julio de 2009.

Del 18 de marzo al 13 de julio de 2009.

El artista norteamericano Andy Warhol pintó en 1962 los retratos de la mítica Marilyn Monroe, de su rival Liz Taylor, reinterpretó La Gioconda y al Rey del rock, Elvis Presley. A partir de 1967 y hasta su muerte, en 1987, hizo por encargo y según un proceso que acabó sistematizando, los retratos de decenas de personalidades de todo tipo, famosas o no, devolviendo así cierto honor a un género olvidado al que aplicó nuevos códigos estéticos. «En ese espejo, todo ese gran y pequeño mundo se mira fascinado», reza la presentación de «El gran mundo de Andy Warhol», la muestra que trae al Grand Palais de París 250 retratos del artista desde hoy hasta el 13 de julio.

Junto a estrellas de cine y de la música, se podrán encontrar rostros de artistas, coleccionistas y marchantes, hombres políticos, modistos y personalidades de la jet set. Conocidos o no, todos ganan un poco con el aura que les da el genio de Warhol que, con esta serie de retratos, dibuja también el cuadro de toda una sociedad y pone en marcha una nueva forma de producción artística, en serie, casi industrial.

Estos retratos sólo habían sido expuestos anteriormente una vez de manera retrospectiva y fue en el Whitney Museum en 1979, donde se exhibieron únicamente 50 piezas, lo que convierten a esta cita, en única.

Warhol hizo estos retratos en The Factory, su taller de Nueva York donde a principios de los años sesenta desarrolla un proceso sistemático: maquilla y fotografía a sus modelos con una Polaroid, selecciona los clichés, pinta y los traslada a serigrafía. En París podrán verse doscientas cincuenta obras de las miles que pintó desde principios de los sesenta con la ambición de recuperar el efecto del principio de repetición que Warhol tenía en mente al realizar su obra. La Unión de Museos Nacionales (RMN) de Francia presenta así por primera vez este considerable conjunto de cuadros que constituye un archivo sin precedentes en la historia de la pintura y de la fotografía. «Todos mis retratos tienen que tener el mismo tamaño para que encajen todos juntos y formen un gran cuadro llamado “Retratos de sociedad”. ¿Es una buena idea, no? A lo mejor el Metropolitan lo querrá algún día», dijo el artista. La muestra parisina ha sido organizada por la RMN gracias a un préstamo excepcional del Andy Warhol Museum de Pittsburgh.

Sitio Oficial │Grand Palais.

Andy Warhol Museum.

 

Ilya & Emilia Kabakov en CAC Málaga. Bajo La Nieve

Posted in Andanzas by Alguien on 2 marzo 2009

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC Málaga) presenta por primera vez en España Under the snow” (Bajo la nieve) una exposición de Ilya & Emilia Kabakov, dos de los artistas rusos más importantes e influyentes del mundo, además de un emblema del arte conceptual ruso, que se vieron obligados a abandonar la Unión Soviética, para poder exponer en público su obra.

27 de febrero al 31 de mayo 2009

La exposición se compone de veintitrés pinturas de gran formato y treinta y cinco acuarelas y dibujos a lápiz que, según Ilya Kabakov (Dnipropetrovsk, Ucrania, 1933), no se pueden considerar meros estudios preparatorios, sino obras independientes por derecho propio. Este conjunto de pinturas y obras en papel, de delicados colores, reúne varios géneros: abstracción, paisajes e historia. Lo que supone toda una novedad teniendo en cuenta que el artista se ha dedicado fundamentalmente a las instalaciones desde 1990.Con formas irregulares como las huellas que dejan las pisadas en la nieve recién caída o simulando los retazos de paisajes que se aprecian a través de las nubes al mirar por la ventana de una avión, el artista muestra las huellas del pasado más reciente de la antigua Unión Soviética.

«La nieve que cubre todas las escenas de los cuadros representa la memoria. Como la nieve oculta la tierra, el olvido puede ocultar los recuerdos. Sin embargo, si se rasca un poco la superficie, bajo la nieve aparece el suelo y bajo la memoria, los hechos que buscamos».

  Sitio Oficial │CAC Málaga

Más información │Diario Sur.

 

La Bella Durmiente en el Museo del Prado.

Posted in Andanzas by Alguien on 24 febrero 2009

Del 24 de febrero al 31 de mayo de 2009

El Museo del Prado presenta por primera vez en España una selección de pintura inglesa del siglo XIX procedente del Museo de Arte de Ponce, que ofrece al público español una ocasión única para contemplar lienzos tan célebres como Sol ardiente de junio de Frederic Leighton o la monumental obra maestra de Edward Coley Burne-Jones, El sueño del rey Arturo en Avalón.

La exposición, patrocinada por BBVA y organizada gracias a la generosidad del Museo de Arte de Ponce de Puerto Rico (coincidiendo con el cierre por renovación y expansión de sus instalaciones),  está compuesta por 17 obras que proporcionarán a los visitantes la oportunidad de familiarizarse con la pintura inglesa del siglo XIX y, al mismo tiempo, darán a conocer una parte destacada de la colección del museo puertorriqueño.

La selección incluye, además de las citadas, obras de artistas como John E. Millais (1829-1896), Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), Thomas Seddon (1821-1856) y William Holman Hunt (1827-1910) pertenecientes a distintas etapas de la Hermandad Prerrafaelita, movimiento surgido en 1848 cuyo objetivo inicial era reformar la pintura inglesa contemporánea -regida por las líneas conservadoras establecidas por la Royal Academy - basándose en una nueva visión de la naturaleza y en la búsqueda de la inocencia estética de los pintores del primer Renacimiento.

Sitio Oficial │Museo del Prado.

Más información (PDF: 153 Kb)

 

Francis Bacon en el Museo del Prado.

Posted in Andanzas by Alguien on 8 febrero 2009

Del 3 de febrero al 19 de abril de 2009.

Gran exposición retrospectiva de Francis Bacon (1909-1992) organizada por la Tate Britain y el Metropolitan Museum of Art, con la colaboración del Prado, en conmemoración del primer centenario del nacimiento del artista. La muestra reúne muchas de las obras fundamentales de Bacon, pintor británico de origen irlandés cuyo impactante estilo figurativo le ha convertido en uno de los artistas más originales del siglo XX, y lo hará en tres ciudades de particular significación para él: Londres, Madrid y Nueva York.

La vinculación del Museo del Prado a este proyecto responde al interés de la institución en hacer un homenaje a uno de los grandes creadores del siglo XX cuyo punto de partida estuvo estrechamente relacionado con algunos de los grandes artistas clásicos españoles, como Velázquez y Goya, e incluso con Picasso, quien, según el propio artista, fue el que agitó definitivamente su vocación pictórica. Como ejemplo de ello, la exposición incluye los lienzos que revelan el interés de Bacon por el Retrato del Papa Inocencio X de Velázquez y que constituyen, según sus propias palabras, el primer paso importante de su pintura. Entre las obras más destacadas presentes en la exposición, además de las variaciones sobre el Papa Inocencio X, se incluyen los trípticos de la Crucifixión, el Retrato de Isabel Rawsthrone en Soho, los trípticos homenaje a George Dyer, el tríptico inspirado por un poema de T.S. Eliot, y el Tríptico de 1991, con su autorretrato.

Una muestra de homenaje al asiduo visitante del Museo del Prado que fue Bacon en sus últimos años de vida. Casi un centenar de obras de caras retorcidas y cuerpos mutilados, de figuras desmoronadas y al límite de la desaparición pintadas obsesivamente por el artista. Una cita ineludible para los amantes del arte.

Sitio Oficial │Museo del Prado.

Más información (PDF: 161 Kb)

 

Francis Bacon, patetismo y grandeza – El Cultural.es

Bacon, la sensualidad de la herida – Babelia.

 

El Museo del Prado desde otra perspectiva.

Posted in Noticias by Alguien on 14 enero 2009

logo-museo-del-pradoGoogle y el Museo del Prado de Madrid han puesto en marcha “Obras maestras del Prado en Google Earth, un servicio a través del cual se podrá navegar por el Museo del Prado en 3D y regocijarse frente a obras de Rembrandt, Velázquez o Goya y apreciar detalles imperceptibles para el ojo humano en cuadros como Las Meninas o Las Tres Gracias.

 

Con el lanzamiento de este proyecto, el Museo del Prado se convierte en el primer museo del mundo que facilita el acceso y la navegación por imágenes en mega alta resolución de sus obras maestras a través de internet.

 

Hasta ahora con Google Earth podíamos dar un paseo virtual por la ciudad de Nueva York o visitar el Gran Cañón del Colorado. Ahora también podremos ver en tres dimensiones el Museo del Prado con su reciente ampliación, realizar una visita virtual y conocer a fondo muchas de sus obras, después de que el museo recibiera una visita de los técnicos de Google, que invadieron todo con sus ordenadores y sus cámaras para fotografiar hasta el más mínimo detalle. El proceso para obtener las imágenes comenzó en mayo y duró alrededor de tres meses. Durante ese tiempo se fotografiaron las obras con equipos especiales  tomando todas las precauciones necesarias para no perjudicar sus condiciones de conservación. Una vez conseguidas las imágenes, se utilizó la tecnología de Google Earth para conseguir el efecto de acercamiento. De esta forma, los cuadros son una capa más del programa, como pueden ser las imágenes de cualquier calle o casa que aparece en Google Earth.

 

El resultado es una experiencia diferente que permite observar con detalle los trazos y pinceladas del autor o el craquelado del barniz. Las imágenes de estas obras tienen cerca de 14.000 millones de píxeles, un nivel de detalle 1.400 veces mayor que el que obtendríamos con una cámara digital de 10 megapíxeles.

 

Con esta iniciativa, el Museo del Prado ha querido ser pionero apostando por las posibilidades que brindan las nuevas tecnologías para la difusión y puesta en común del patrimonio artístico. Las espectaculares imágenes de estas obras, accesibles exclusivamente a través de Google Earth, permitirán a estudiosos y aficionados acercarse hasta los más mínimos detalles y motivos representados, aspectos difíciles de apreciar en la contemplación directa.

 

El usuario que desee acercarse al arte de esta manera, deberá tener instalado en su ordenador o dispositivo portátil Google Earth y, una vez iniciada la aplicación, activar la capa de edificios en 3D en el panel inferior izquierdo y buscar el Museo del Prado.

 

Desde este martes 13 de Enero y durante dos semanas podremos ir conociendo en profundidad estas 14 Obras Maestras del Museo del Prado  también en Google Maps. Bastará con localizar el museo y pinchar sobre su icono, aparecerá una ventana con varias imágenes en miniatura de obras como Las Meninas, de Velázquez; El Caballero de la mano en el pecho, de El Greco o El Jardín de las Delicias, de El Bosco. A lo largo de estas dos semanas se irán activando los enlaces que nos permitirán acceder a una obra de arte cada día y verla a pantalla completa y con todo detalle.

 

El criterio de selección de las pinturas representadas en Google Earth ha sido complejo dado el gran número de obras maestras que alberga el Prado. Para acotar el número de pinturas mostradas, la selección responde a la propuesta que hace el propio Museo, en doce idiomas, en la página de bienvenida de su web.

 

Las imágenes que pueden consultarse desde Google Earth son:

 

La Crucifixión, Juan de Flandes.

El caballero de la mano en el pecho, El Greco.

La familia de Felipe IV o Las Meninas, Velázquez.

El sueño de Jacob, Ribera.

3 de mayo, Goya.

La Anunciación, Fra Angelico.

El Cardenal, Rafael.

El emperador Carlos V, a caballo,  en Mühlberg, Tiziano.

Inmaculada Concepción, Tiepolo.

El Descendimiento, Roger van der Weyden.

El jardín de las Delicias o La pintura del madroño, El Bosco.

Las tres Gracias, Rubens.

Autorretrato, Durero.

Artemisa, Rembrandt.

 

Vía: Blog oficial de Google para América Latina.

 

In Memoriam: Joan Miró.

Posted in Memorias by Alguien on 28 diciembre 2008

Se cumplen 25 años de la muerte de Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 20 abril 1893 – Palma de Mallorca, 25 diciembre 1983) un artista que se inspiró en las manchas del techo de su estudio para crear un mundo onírico y reconocible a primera vista.

25 años sin Joan Miró, el pintor de poesías.

“Tres novelas en imágenes” de Max Ernst.

Posted in Libros by Alguien on 9 diciembre 2008

“Mis vagabundeos, mis desasosiegos, mi impaciencia, mis dudas, mis creencias, mis alucinaciones, mis accesos de cólera, mis rebeldías, mi negativa a someterme a cualquier disciplina, aunque fuera la ideada por mí mismo… No han creado un clima propicio a una obra sosegada y serena”. Max Ernst (Brühl, Colonia 1891-París 1976) reflexionaba así sobre su propio trabajo.

Título: Tres novelas en imágenes. | Autor: Max Ernst. | Editorial: Ediciones Atalanta. | Encuadernación: Cartoné.17.5 x 24 │ Género: Novela Ilustrada. │Traductor: Héctor Sanz Castaño. | Páginas: 520. | Año: 2008. | ISBN: 978-84-9357-639-4. | Precio: 45 € 

Más allá de la pintura. Max Ernst en la colección Würth. Museo Picasso Málaga. Palacio de Buenavista. San Agustín, 8. Hasta el 1 de marzo de 2009.

Entre 1929 y 1934, el artista alemán Max Ernst compuso tres sorprendentes e innovadoras novelas en imágenes tituladas “La Mujer 100 cabezas” (1929), “Sueño de una niña que quiso entrar en el Carmelo” (1930) y “Una semana de bondad o los Siete Elementos capitales” (1934). Con sus más de cuatrocientos collages dispuestos uno tras otro, a veces con pies de ilustración, forman en su conjunto «uno de los poemas más bellos del siglo XX»; o también, podría decirse, la más sugerente novela de todo el movimiento surrealista. La editorial Atalanta las rescata ahora en un único volumen publicado recientemente.

 El artista alemán utiliza una peculiar técnica de collage para realizar estas historias. A partir de grabados de madera de mediados del XIX superpone imágenes para crear las escenas que le interesan. No utiliza demasiadas fuentes en cada estampa, pero aún así los originales son totalmente irreconocibles. A finales de los años veinte y principios de los treinta, nadie utilizaba estos grabados para realizar los collages. Para Ernst, en cambio, eran el material ideal.

Entre las tres novelas ilustradas, sin embargo, se puede ver una evolución. “La mujer 100 cabezas”, la primera que realizó, es la más compleja. No fue comprendida por sus coetáneos y Ernst optó por respetar más el hilo argumental en las siguientes. Paralelamente, los temas fueron haciéndose más críticos con su mundo. Si la primera era prácticamente una historia de amor, “Sueño de una niña que quiso entrar en el Carmelo” es una crítica a la Iglesia y “Una semana de bondad”, no deja bien parada a la sociedad burguesa y la política. No hay que olvidar que, para cuando publicó esta última, Hitler ya era presidente del III Reich.

La mujer 100 cabezas es una historia cíclica compuesta por 147 collages. A través de ellos, se conoce a un hombre-experimento, su infancia, adolescencia, sexo y vida más allá de la muerte, para entonces volver a empezar. Sin embargo, la lectura -o visionado- de esta historia no es tan ordenada como puede parecer en esta breve descripción. Se recomienda dejarse llevar y no intentar analizar al detalle argumentos y líneas de acción.

Sueño de una niña que quiso entrar en el Carmelo no es, ante todo, una historia inocente. Si la anterior se podía estudiar como una novela de amor, esta es totalmente anticlerical. La protagonista es una joven que a través de sus sueños practica toda clase de orgías, en los que Dioses, sacerdotes o serpientes tienen su propio papel.

Su última obra, Una semana de bondad, es la “más elaborada y la mejor desde el punto de vista estético”, según asegura Juan Antonio Ramírez en el epílogo del volumen que publica Atalanta. Las imágenes de esta galería corresponden a esta historia, que recorre los días de la semana a través de diferentes elementos de la naturaleza y símbolos. Ernst planteó Una semana de bondad, como una novela en siete entregas, una dedicada a cada día. El lunes era verde y agua; el martes, fuego y dragón; el miércoles, el día de la sangre y Edipo… y así sucesivamente. Sin embargo, se vio obligado, ante la falta de respaldo, a unir las tres últimas entregas en dos, lo que tuvo su repercusión en la calidad.

Con ciertas semejanzas como, por ejemplo, los Caprichos de Goya, las novelas en imágenes de Ernst pretendían reírse de las novelas burguesas. Si aquellas se acompañaban de ilustraciones que reconstruían la historia aunque con elipsis, el artista optó por eliminar totalmente la narración y sustituirla por imágenes

Censura: Ernst no tuvo reparos en sus críticas contra la autoridad política, eclesiástica o social. De hecho, en 1936, antes de que estallase la Guerra Civil, el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid expuso los collages de “Una semana de bondad“, algunos fueron omitidos para evitar las protestas.

Reseñas:

Joyas de Biblioteca- Manuel Rodríguez Rivero. Babelia 

Max Ernst, la imagen que sugiere mil palabras- La Vanguardia. 

Ficciones de Max Ernst I. Babelia 

Ficciones de Max Ernst II. Babelia 

Max Ernst, el surrealista que escribía libros – Adn.es

 

Obra Africana de Miquel Barceló en el CAC Málaga.

Posted in Andanzas by Alguien on 11 noviembre 2008

 La obra africana (The African Work)

Del 11 de noviembre 2008 al 15 de febrero de 2009

 

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga expone hasta el 15 de Febrero de 2009, 84 obras del artista Miquel Barceló (Felanitx, Mallorca, 1957), piezas provenientes de colecciones de diferentes partes del mundo y de fechas diversas, pero con un fuerte nexo común: África, una de las fuentes creativas más importantes en su trabajo. Se trata de una exposición procedente del Irish Museum of Modern Art (IMMA), que ha sido comisariada por el propio director del museo, Enrique Juncosa, y que toma Málaga como única sede en España.

 

«África inmediatamente me remitió al mundo salvaje, sucio y feliz de mi infancia. Veo el continente africano arruinado y armado, endeudado y enfermo, del que nos llegan sólo imágenes de mutilación, fragmentos, pedazos de máscaras, de ceremonias olvidadas, barcazas llenas de muertos, que sólo consiguen penetrar nuestra cómoda fortaleza europea en forma de cadáver, de esclavo o de fragmento» Miquel Barceló.

Exposición: “Obra Africana”

Artista: Miquel Barceló

Contenido: Pinturas, dibujos, esculturas y libros ilustrados. Algunas de las obras son inéditas.

Lugar: CAC Málaga. Entrada Gratuita

Fecha: Del 11 de noviembre al 15 de febrero de 2009.

Horario habitual: De martes a domingo de 10 h a 20 h ininterrumpidamente. Lunes cerrado.

 

Más información:

Miguel Barceló.Obra Africana.

CAC Málaga

Página Oficial de Miquel Barceló

Página Web sobre Miquel Barceló

 

Exposición: Del Greco a Picasso.

Posted in Andanzas by Alguien on 7 noviembre 2008

Del Greco a Picasso

 

Del 17 de octubre al 30 de noviembre, podemos disfrutar en la Sala de Exposiciones del Rectorado de Málaga de la exposición Del Greco a Picasso. La muestra, organizada por la Universidad de Málaga y la Fundación Banco Santander está formada por 33 obras de grandes maestros de la pintura como El Greco, Tintoretto, Zurbarán, Sorolla, Rusiñol, Romero de Torres o Picasso y pretende acercarnos la evolución de la pintura desde el Renacimiento al siglo XX. Una de las más completas exposiciones realizadas hasta ahora en Málaga, tanto por la diversidad de estilos, en su mayoría pintura española y moderna, como por la calidad de los artistas. Una colección que no debemos perdernos.

 

Lugar: Sala de Exposiciones del Rectorado (Avda. Cervantes, 2 Málaga)

Horario: Todos los días de 11:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 21:00 horas. Entrada Gratuita.

 

Más información │Universidad de Málaga (UMA)Fundación Banco Santander

Galeria de imágenes (UMA)

Folleto Colección Santander (PDF)

 

Rembrandt. Pintor de Historias en el Museo del Prado.

Posted in Andanzas by Alguien on 15 octubre 2008
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