Algún día en alguna parte

Turner y los maestros en el Museo del Prado.

Posted in Andanzas by Alguien on 22 junio 2010

El Museo del Prado presenta una exposición temporal del artista inglés Joseph Mallord William Turner junto a sus maestros holandeses, venecianos y franceses.

Organizada por la Tate Britain, en colaboración con la Réunion des Musées Nationaux y Galeries Nationales du Grand Palais y el Museo Nacional del Prado.

El Museo del Prado abre al público la gran exposición Turner y los Maestros, procedente de Londres (Tate Britain, del 23 de septiembre de 2009 al 31 de enero de 2010) y París (Grand Palais, del 22 de febrero al 24 de mayo). La exposición pone de manifiesto que el artista británico realizó su obra con perfecta conciencia de la pintura de los maestros antiguos, a los que estudió en profundidad, sin dejar de prestar atención a la aportación de algunos de sus contemporáneos.

La exposición plantea por primera vez un diálogo entre las obras más relevantes del artista, las de los maestros de otras épocas y los de la suya propia. En el Museo del Prado, donde se expondrán un total de 80 obras procedentes de instituciones y colecciones europeas y norteamericanas, se incluirán algunas novedades con respecto a las muestras de Londres y París como Sombra y oscuridad. La víspera del Diluvio, Luz y color. La mañana después del Diluvio y Paz. Entierro en el mar, tres obras maestras que Turner realizó al final de su carrera.

Unas obras necesarias para entender a este hijo de un barbero y fabricante de pelucas, que ejerció una gran influencia en el siglo XIX pero que supo aprender de sus maestros holandeses, flamencos, venecianos, franceses e incluso británicos como Gainsborough y Wilkie.

Con voluntad de totalidad, Turner y los Maestros pretende que el visitante pueda percibir el alcance de los vínculos de artista con otros pintores muy destacados como Rembrandt, Rubens o Claudio de Lorena, entre otros, y el modo profundamente original en que asimiló su influencia desde el período inicial de su carrera a sus últimas composiciones.

Más información.

18 Mayo: Día Internacional del Museo 2010.

Posted in Andanzas by Alguien on 18 mayo 2010

El Día Internacional del los Museos se celebra el 18 de mayo en todo el mundo desde el año 1977, tal día fue el resultado de la resolución tomada en la XII Asamblea General del ICOM (Consejo Internacional de Museos) en Moscú. El ICOM, creado en 1946 es una organización no gubernamental, dependiente de la UNESCO (Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura), con estatus de órgano consultivo del Consejo Económico y Social de las Naciones Unidas. El ICOM aglutina a museos y profesionales, y está dirigida a la conservación, mantenimiento y comunicación del patrimonio natural y cultural del mundo, presente y futuro, tangible e intangible.

Para este año 2010, el lema elegido por el ICOM para el Día Internacional de los Museos es: “Museos para la armonía social

Sitio Oficial │ Consejo Internacional de Museos (ICOM)Cartel ICOM Día de los Museos 2010 (PDF)

Sitio Oficial Ministerio de Cultura │Noche y Día de los Museos 2010.│Actividades Programadas.│15 de Mayo. Noche de los Museos 2010.│18 de Mayo. Día Internacional de los Museos 2010.

Para todo el año │Museos de Andalucía.

Crimen y Castigo en el Museé d’Orsay.

Posted in Andanzas by Alguien on 16 marzo 2010

Crimen y Castigo. Del 16 de marzo al 27 de junio de 2010. Museo de Orsay.

El Museo de Orsay de París sirve de sede, hasta el próximo 27 de junio, a un impresionante conjunto de cuadros de Goya, Géricault, Degas, Moreau Picasso, Cézane, Magritte, Munch y Warhol, entre otros grandes artistas, bajo el título de “Crimen y castigo”.

Las obras pictóricas se combinan con esculturas, grabados, máscaras de cera de delincuentes guillotinados, fotografías judiciales, periódicos de época, documentos diversos y, entre otras piezas, la guillotina utilizada en Francia hasta 1977.

El conjunto de imágenes y objetos que componen la exposición muestran retratos de seres torturados, cabezas separadas brutalmente de sus cuerpos, de asesinatos y de asesinos, de mujeres violadas o a punto de serlo y de siniestros preparativos.

La exhibición evoca los dos siglos de debates que fueron necesarios en Francia para conseguir la abolición de la pena de muerte, el 30 de septiembre de 1981, desde que en 1791 Le Peletier de Saint-Fargeau la reclamó por primera vez ante la Asamblea Constituyente.

Véase presentación detallada.

Otoño Barroco.

Posted in Andanzas by Alguien on 31 octubre 2009

Sin que exista un previo concierto entre las partes, que seis importantes museos de otras tantas ciudades del mundo occidental, tan distantes entre sí como Madrid, Bilbao, Londres, México DF, Los Ángeles e Indianápolis, coincidan en iniciar la temporada de exposiciones con un tema común, el del arte barroco español, no nos puede pasar desapercibido. Es verdad que cada convocatoria tiene un punto de abordaje singular sobre el tema, pues cuatro de ellas se refieren monográficamente a artistas individuales de este periodo entre fines del siglo XVI y el siglo XVIII, como las dedicadas respectivamente a El Greco en el Palacio de Bellas Artes de México; a Juan Bautista Maíno, en el Museo del Prado; al joven Murillo, en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, y a Luis Meléndez, en el LACMA de Los Ángeles, mientras las otras dos son de corte generalista, como las tituladas España sagrada: Arte y creencia en el mundo hispánico, en Indianapolis Museum of Arts, y Lo sagrado hecho real, en la National Gallery de Londres, pero, de una manera u otra, todas coinciden, en efecto, en tratar sobre el arte barroco español o hispánico.

Leer artículo completo en Babelia.

En la barbarie – Iury Lech.
La crueldad de la emoción – Ángeles García.
La armada artística española – Miguel Zugaza.

Diálogos: Sorolla & Velázquez.

Posted in Andanzas by Alguien on 30 octubre 2009

Del 30 de octubre de 2009 al 24 de enero de 2010.
Museo Sorolla de Madrid.

Con esta exposición, el Ministerio de Cultura inicia un proyecto, bajo el título de Diálogos, que nace con vocación de continuidad. La muestra analiza la relación de Joaquín Sorolla con el maestro sevillano, quien se convirtió en su gran maestro y referente artístico. En ella se presenta una selección de obras de la colección del museo junto al Menipo de Velázquez, cedido por el Museo del Prado. El Diálogo entre ambos pintores se desarrolla siguiendo tres ejes temáticos: Realismo, Retratos y Paisaje.

Bajo la atenta mirada de Menipo, se aborda el descubrimiento y comprensión de la obra velazqueña por parte de Sorolla. En la exposición se muestran tres trabajos del artista cuando tenía diecinueve años y copia a Velázquez en la pinacoteca madrileña. Pero para entender bien a su maestro, Sorolla debe todavía madurar artísticamente, lo que sucederá cuando conozca en París la pintura de otros creadores extranjeros influenciados por el pintor de pintores.

Joaquín Sorolla ya había asimilado la gran lección velazqueña cuando realiza sus obras maestras, como “La bata rosa, donde logra pintar magistralmente la atmósfera, que en definitiva era lo que más admiraba de Velázquez, y lo hace con un lenguaje moderno, diferenciado y único que consigue singularizar esas escenas intrascendentes y espontáneas.

Más información (PDF 386 Kb)
Museo Sorolla.

Rodchenko y Popova. Definiendo el Constructivismo, en el Reina Sofía.

Posted in Andanzas by Alguien on 21 octubre 2009

Del 21 de octubre de 2009 al 11 de enero de 2010

La exposición, una de las más importantes de la temporada, recoge la obra de dos figuras clave de la formación estilística y teórica del Constructivismo Ruso: Liubov Popova (1889-1924) y Aleksander Rodchenko (1891-1956). Organizada por Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en colaboración con la Tate Modern de Londres, supone un completo repaso a este movimiento artístico que cambió la cara del arte ruso.

La muestra está compuesta por aproximadamente 350 trabajos, realizados entre 1917 y 1929 por ambos artistas: pinturas, carteles de cine y teatro, dibujos de diseño de trajes, de muebles, libros, fotografías y esculturas. Una característica importante de la exposición es la equiparación de los sexos (en consonancia con los ideales de la Revolución Rusa); a Popova se le ha otorgado el mismo espacio e importancia que a Rodchenko, y en términos de calidad e innovación en el trabajo no hay diferencia entre los dos.

Como complemento, se proyectarán algunas películas de la época que guardan relación con los artistas y se podrán ver otros trabajos de creadores coetáneos.

Más información (PDF 46 Kb)
Museo Reina Sofía.

The Discovery of Spain. National Gallery of Scotland.

Posted in Andanzas by Alguien on 15 julio 2009

Del 18 de julio al 11 de octubre de 2009.

El Ministerio de Cultura colabora en esta gran exposición temporal dedicada a la cultura española que organiza en su sede la National Gallery de Edimburgo. Prestan también su apoyo la Oficina de Turismo de España en el Reino Unido, el Consulado de España en Edimburgo y la Universidad de Edimburgo.

Las más de 130 obras (pinturas, acuarelas, fotografías…) mostradas en The Discovery of Spain exploran el entusiasmo que se originó entre 1800 y la década de 1930, en Gran Bretaña, hacia la arquitectura, la moda y la pintura de nuestro país. La exposición, a través de un recorrido por los gustos e influencias de los coleccionistas y artistas hispanófilos, ofrece destacados ejemplos del arte español y revive la emoción de este periodo, enmarcado por las figuras de Goya y Picasso. En ella se exhibe una selección de importantes obras representativas de la colección del arte español en Gran Bretaña, considerada como el mejor conjunto de pintura española del Siglo de Oro fuera de nuestras fronteras, y se dan a conocer sorprendentes trabajos de Velázquez, Murillo, Zurbarán y El Greco. Todo ello está contenido en los distintos espacios en que se organiza la muestra: La época de Goya; El paisaje y lo pintoresco; Soñando con el Sur: la España musulmana; El “descubrimiento” británico del Siglo de Oro español; El culto a Velázquez; El color y la luz y Artistas británicos y la Guerra Civil española

La exposición se completa con un intenso programa de actividades para adultos (representaciones teatrales, veladas musicales…) y para colegios y grupos. El Ministerio de Cultura participa también en estas actividades con la programación de un concierto a cargo del grupo La Folía, grupo de música barroca, con su repertorio Música instrumental del tiempo de Velázquez, el 22 de julio en las salas de la National Gallery. Además, está prevista la celebración de una gran conferencia internacional en octubre, alrededor de las cuestiones que plantea la exposición.

Más información en español (PDF: 172 Kb)
Nota de prensa de la National Gallery of Scotland (inglés) (PDF: 153 Kb)
Enlace a la exposición en la National Gallery of Scotland.

Picasso: Leyenda de los Siglos.

Posted in Andanzas by Alguien on 23 junio 2009

Del 23 de junio al 1 de septiembre de 2009.
Fundación Picasso. Museo Casa Natal.

La muestra “Picasso: leyenda de los siglos”, que alude a la obra de Victor Hugo, estará abierta al publico en la sala de exposiciones de la Casa Natal en Málaga hasta el próximo 1 de septiembre. La exposición recoge 22 obras en las que el artista malagueño recoge su visión de historias ajenas tomadas de la Biblia y de la mitología grecolatina.

Picasso ilustra en esta exposición viejas historias. Así, vuelve su mirada a la Biblia, a través de otros autores como Lucas Cranach, a los amores de David y Betsabé, a la danza mortal de Salomé, observa los mitos de Grecia y de Roma y hace suyos los faunos, la seducción de Venus, las múltiples figuras que pueblan los relatos de la antigüedad que Picasso asume y reinterpreta.

Las obras van agrupadas por temas, la mayor parte de ellos con una cita literaria a la que las obras de Picasso sirven de ilustración. Aparte de estas historias y mitos, en la exposición hay obras sobre Baco, el Rapto de Europa y los centauros, según indicaron desde el Ayuntamiento en un comunicado.

Sitio Oficial: Fundación Picasso Málaga

Más información: Diario Sur.

Matisse: 1917-1941, en el Thyssen.

Posted in Andanzas by Alguien on 9 junio 2009

Del 9 de junio al 20 de septiembre de 2009

Desde el 9 de junio, el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid presenta la exposición Matisse, 1917-1941, un recorrido por la obra del artista en lo que fue el tramo central de su carrera. Para llevarla a cabo el comisario de la muestra ha seleccionado 74 pinturas, esculturas y dibujos procedentes  de los fondos de unos cincuenta museos y colecciones particulares de todo el undo. La mayoría de estas obras no han sido nunca expuestas en España.

Matisse, 1917-1941 se propone analizar la obra del pintor francés durante un largo período al que  se ha venido prestando menos atención que a los tramos inicial y final de su trayectoria artística, y trata de entender sus claves a la luz del clima artístico de la época en que fue hecha. Marcada  por la sombra de la Primera Guerra Mundial y la premonición de la Segunda ésta fue, para el arte  moderno, una época de ascenso rápido y de creciente implantación pública. En esa oleada  ascendente Matisse ocupó desde el comienzo, junto a Picasso, un lugar central. Fue  precisamente para asumir esa centralidad para lo que decidió alejarse de París, aislarse en Niza y  sumergirse en la investigación sistemática de las condiciones de la nueva pintura.

Kafka, el visionario. Sofía Gandarias.

Posted in Andanzas by Alguien on 2 junio 2009

Sofía Gandarias
KAFKA, DER VISIONÄR
am 28. Mai 2009 um 19 Uhr

La artista vasca Sofía Gandarias presenta en Berlín a un Franz Kafka más expresionista que nunca, de la mano de la muestra “Kafka, el visionario“, que combina la fuerza de la pintura con el misterio del sonido.

Kafka, der Visionär” (“Kafka, el visionario”) pretende rendir homenaje al que fue uno de los máximos representantes de la literatura universal, prolífico en todos los géneros, y capaz de adentrarse en los recovecos más ocultos del existencialismo humano.

La puesta en escena de la galería “Haus am Kleistpark” recorre la obra del célebre escritor checo, amante de la lengua alemana y que falleció con tan sólo 40 años, a través de 64 lienzos.

Estructurada a modo de laberinto, la exposición se completa con una instalación musical, en la que uno puede escuchar una serie de graznidos de cuervo con los que se pretende llevar al espectador a imaginar la simbiosis entre culpa y poder, luces y sombras, dolor y muerte.

Nacida en la ciudad bilbaína de Guernica, Gandarias ha plasmado la historia del siglo XX a lo largo de su carrera a través de interpretaciones pictóricas de la obra de grandes escritores y pensadores que no dejaron de luchar contra la guerra y la violencia.

«En 2002 pensaba que tenía que pintar a Kafka porque me fascinaba su mundo. Él nos contó los extremos del Holocausto, aunque murió en 1924», reflexiona la artista de Gernika. «Reflejó en sus libros y en su correspondencia las angustias del siglo XX». Al cabo de cuatro años, la obsesión se convirtió en inspiración cuando Gandarias, acompañada por la música de Dvorák, cogió el pincel y creó una metáfora, donde muestra la imagen del escritor sobre una lápida. «Pinté a Kafka en el cementerio porque los nazis acabaron con la vida judía en Checoslovaquia».

Los cuadros son grises, carecen de alegría y están cargados de melancolía. Aparecen alambres de espino, un material que se utilizaría en los campos de concentración, y se combinan los retratos de personalidades de la literatura, la política y la Iglesia con la mirada triste y desesperada de Kafka. Como el lienzo donde aparece Benedicto XVI. «Lo pongo frente a Kafka para enfrentarlo a lo que pasó, pero no quiero culparlo».

Un mundo interior plagado de fuerza creativa y conciencia histórico-social, que la artista ha imprimido a sus lienzos, desde que comenzara a pintar en la época que siguió a la dictadura franquista y paralelamente al desarrollo de la democracia española.

Con un estilo a caballo entre el neo-expresionismo y el simbolismo-surrealismo con el que retrata a los máximos mártires de la humanidad, sus obras han recibido ya elogios en galerías de Bruselas, Venecia, Eslovenia y París, entre otras ciudades.

Comisariada por el realizador y dramaturgo italiano Gianfranco de Bosio, la exposición podrá visitarse en la galería “Haus am Kleistpark” desde el 29 de mayo al 28 de junio.

En Algún día: Franz Kafka.

Joaquín Sorolla (1863-1923) en el Museo del Prado.

Posted in Andanzas by Alguien on 26 mayo 2009

Del 26 de mayo al 6 de septiembre 2009

Comisarios: José Luis Díez, Jefe de Conservación de Pintura del Siglo XIX y Javier Barón, Jefe de Departamento de Pintura del Siglo XIX
Salas: Edificio Jerónimos A, B, C y D

Joaquín Sorolla (1863-1923) es la primera gran exposición antológica que el Prado dedica a este gran maestro del siglo XIX y la más importante celebrada tanto dentro como fuera de España, donde no ha habido ninguna exposición de estas características e importancia aunque sí otra gran muestra monográfica de carácter antológico que se celebró en 1963 en las salas del Casón del Buen Retiro, organizada entonces por el Ministerio de Educación y Ciencia. La exposición muestra por primera vez más de un centenar de pinturas de Sorolla, el pintor español de mayor proyección internacional de su tiempo y una de las figuras capitales de la historia del arte española, en un ambicioso recorrido sobre lo mejor de su producción que incluye los catorce paneles de la Visión de España pintados para la Hispanic Society of America traídos a España en el año 2007, por Bancaja, entidad patrocinadora de la muestra.

Además de la colaboración de numerosas colecciones privadas e instituciones de todo el mundo, especial agradecimiento merece la contribución del Museo Sorolla (Madrid) que aporta a la exposición un conjunto de catorce obras entre las que se incluyen varias de las más destacadas obras maestras del artista.

Sitio oficial: Museo del Prado.

Más información.

18 Mayo: Día Internacional del Museo 2009.

Posted in Andanzas by Alguien on 15 mayo 2009

El Día Internacional del Museo se celebra el 18 de mayo desde el año 1977, fecha en la que los museos de todo el mundo se convierten en protagonistas por iniciativa del Consejo Internacional de Museos (ICOM). Para este año 20089 el lema elegido es “Museos y turismo”, con el objetivo de poner de relieve el papel que los museos y el sector de la imagen pueden desempeñar en el fomento del turismo cultural sostenible.

Este día, que tradicionalmente se celebra el 18 de mayo pero que este año se celebrará el domingo 17, ofrece la oportunidad a estas instituciones culturales de acercarse al público y a la sociedad y hacerles partícipes de su evolución, dando a conocer sus actividades.

Con este fin, además de ser una jornada de puertas abiertas y entrada gratuita en la mayoría de los museos, se celebrarán exposiciones, se organizarán visitas guiadas, conciertos, conferencias, coloquios, talleres y actividades didácticas para los más pequeños.

En paralelo al Día de los Museos, la Noche de los Museos se celebra el 16 de mayo.

Málaga se suma a la celebración de este día del Museo a través de los actos, conciertos, talleres y visitas guiadas convocados por la Fundación Picasso y Museo Picasso, el Museo Municipal de Málaga (MUPAM), el Centro de Arte Contemporáneo (CAC Málaga) y el Museo Interactivo de la Música (MIMA), entre otros.

A continuación el programa con las actividades y horarios en Málaga (doc) y otros enlaces de interés.

El color luminoso de Pierre Bonnard.

Posted in Artículos by Alguien on 3 mayo 2009

El color luminoso de Pierre Bonnard – Miguel Ángel Muñoz.

 

Recuerdos de Pierre Bonnard – Balthus

“Cuando tenía cinco años y mi padre se trataba con lo más granado de París, con todos los espíritus nuevos, las inteligencias fuera de lo común, de Maurice Denis a André Gide, ¿sabía que iba a conocer a quienes revolucionarían la pintura, y que llegaría a ser uno de los bien llamados pintores de la luz y el aire?. Estoy pensando en la ligereza de Cézanne, en la transparencia de Bonnard, en el trabajo con la luz que hizo Monet. Recuerdo un viaje que hice con mis padres a Provenza, a Thoronet, en 1913. Vivíamos en una casa de campo y éramos vecinos de un tal señor Rey, que era amigo de Cázanne. En las conversaciones resonaba ese nombre: “Cézanne, Cézanne” que para mí, evidentemente, no guardaba relación directa con la pintura, pero excitaba de un modo extraño mi imaginación, que siempre he oído esa palabra, ese nombre, como una fórmula mágica. “Cézanne” era como el “sésamo” de un mundo que desconocía y al que estaba llamado, un mundo que me permitiría sentir infinitas emociones. Bonnard iba mucho por casa, mi padre le tenía un gran afecto, porque siempre fue muy fiel a nuestra familia. Cuando estalló la primera guerra mundial tuvimos que marcharnos de París y luego mis padres se arruinaron con las malas inversiones que había hecho mi padre. Cuando se subastaron todos nuestros bienes, Bonnard compró algunos de nuestros efectos personales para devolvérnoslos… Aunque Bonnard no fue para mí lo que se dice un maestro en pintura, representó mucho por su forma de ser, por el cariño con que nos trataba a los niños, y por la atención que prestó a mis trabajos. Siempre he respetado su afán de exactitud, que no tenía nada que ver con un realismo vulgar y lograba revelar la esencia de las cosas, la calidad de una nieve o una escarcha, el estremecimiento de los tordos en invierno, los caminos y la nieve, que sabía pintar como nadie.

Un día, en primera infancia, fuimos toda la familia a visitar a Bonnard en Giverny. Entonces era un pueblo muy animado. Claude Monet había reunido allí un grupo de pintores y no podías dar un paso sin toparte con un caballete plantado aquí o allá. Por la tarde Marc Bonnard vino a avisar a su padre de que Monet acababa de llegar de improviso. Todos se alegraron mucho. Recuerdo a un señor viejo, con una larga barba blanca, al que todos hacían mucho caso y que era impresionante.

Me crié en esa época tan fructífera para la renovación del arte, cuya Meca era Francia. ¿Cómo no iba a inclinarme por la pintura, con semejantes astros? En mi primera infancia conocí los momentos de paz y felicidad que Monet y Bonnard supieron pintar de maravilla. El comienzo de la guerra y el exilio al que nos obligó me infundieron un sentimiento de carencia y ausencia, un temor al desarraigo, y la impresión lamentable de que todo pasa. Pero debo admitir que mi infancia, agraciada por los desvelos de Baladine y la autoridad grave y culta de mi padre, y luego por la atención vigilante de Rainer María Rilke, fue muy feliz. Nunca he querido perder el hilo, al contrario, he procurado reforzarlo. De modo que nunca he salido de la infancia, ¿será por eso por lo que he pintado con tanto tesón flores y muchachas en flor?

Traducción del francés de Juan Vivanco.

Expresiones con Pasión.

Posted in Andanzas by Alguien on 9 abril 2009

Llorar como una Magdalena” o “ser más falso que Judas” son expresiones descriptivas que utilizan coloquialmente los hispanohablantes sin distinción de credos -también los agnósticos-, y cuyo origen no es otro que los textos de la Semana Santa y de la Pascua.

Las escenas de la Pasión de Cristo vienen a resumir gráficamente situaciones cotidianas de sufrimiento como “llevar la cruz”, “estar hecho un eccehomo” o “pasar un calvario”.

Cristo en la Cruz - Murillo.Cristo Crucificado- El Greco.

Jesucristo salvó a Magdalena de la lapidación a la que había sido condenada por adúltera. Le siguió desde entonces y hasta el Calvario y lloró amargamente su pérdida.

El dolor de esa cristiana también está plasmado en la expresión “no estar la Magdalena para tafetanes“, lo que equivale a otra expresión coloquial, la de que “no está el horno para bollos”.

Meterse a redentor y salir crucificado” es una de las consecuencias de llevar una “vida un calvario” en la que para “más inri”, puedes ser víctima del “nazareno” (una estafa).

Inri es una nota de burla y “para más inri” una locución que significa para mayor escarnio, intención que tenía el INRI, acrónimo de “Iesus Nazarenus Rex Iudaeorum” (Jesús de Nazaret, Rey de los Judíos), que pusieron en la cruz de Cristo, siguiendo la costumbre romana de anunciar la causa por la que se condenaba al reo.

Nazarenos son los penitentes que van en las procesiones de Semana Santa, pero “dar el Nazareno”, no es entregar a un habitante de Nazaret, (la ciudad donde creció Jesús), sino timar a alguien.

El timador, “el nazareno”, se gana la confianza de un proveedor mediante pequeños pedidos que paga religiosamente, para después hacer uno mayor que no abona y además venderá a terceros.

El estafado se siente como un tonto “de capirote”, que no es un tonto con el “cucurucho de cartón cubierto de tela que usan los penitentes en las procesiones“, sino un tonto extremadamente tonto.

Ese timo es más que “una barrabasada”, que es algo malo, díscolo o travieso hecho por un barrabás, como se llamaba el judío indultado por Poncio Pilatos quien, siendo gobernador de Judea, se desentendió del juicio de Jesucristo y, “lavándose las manos”, dejó que el pueblo eligiera salvar de la cruz al delincuente Barrabás.

La conducta de ese procurador romano pasó a la posteridad como sinónimo de dejación e inhibición. Muy distinto fue el comportamiento de Simón de Cirene, que ayudó a Cristo a llevar la cruz. Desde entonces a quien ayuda desinteresadamente en algún quehacer penoso se le llama “cirineo”.

Tampoco sale bien parado el gobernador de Judea en otro dicho que comparte con Herodes y que significa inoperancia o pérdida de tiempo: “ir de Herodes a Pilatos” es el ir y venir que sufrió Jesús hasta que se decidió quien lo juzgaría.

También la traición de Judas ha quedado plasmada en numerosas frases (“el beso de Judas” o “ser un judas“). Esa deslealtad tiene su propio y tradicional castigo en la “quema del Judas”, que se representa en diferentes lugares de España y de Latinoamérica, entre ellos en los cerros de Valparaíso (Chile). Todo un espectáculo.

“¡Por los clavos de Cristo!” es una forma de rogar encarecidamente algo, por ejemplo que se deje de “armar la de Dios es Cristo“, que, según el sacerdote filólogo José María Sbarbi, “es la perturbación que ocurrió en el Calvario cuando los judíos deícidas se convencieron de que el Crucificado era verdaderamente el Hijo de Dios” por los fenómenos que acompañaron su muerte.

El escritor y paremiólogo Jose María Iribarren dice que “según los más, la expresión proviene de las controversias del Concilio de Nicea” en torno a la doble naturaleza humana y divina de Cristo.

Para otro erudito, Gonzalo Correas, la frase “otro gallo cantaría”, equivalente a “mejor suerte tuviera…”, parece proceder del pasaje de la Pasión en que el gallo cantó después de que Pedro, por cobardía, negara tres veces conocer a Cristo.

Mala suerte tiene también aquel al que le “hacen la Pascua“, que es lo que se hacían en el rito judaico con el corderito que primero mimaban, luego mataban y después comían en esa festividad.

“De Pascuas a Ramos” es como de “higos a brevas”, algo que sucede de tarde en tarde.

En Venezuela si alguien “es más atrasado que una serpentina en Semana Santa” es que está completamente desubicado y en Argentina se puede “estar más aburrido que un ‘Viernes Santo’”, pero en Chile cuando alguien está muy inquieto “parece más nervioso que un pescado en Semana Santa”, por la prohibición de comer carne en Cuaresma.

“¡Adelante con los faroles!” es una expresión de ánimo para avanzar pese a las dificultades: algún estudioso ve en ella una alusión a alguna procesión que encontró obstáculos en su camino y una vez medio despejado vino la llamada a proseguir.

Se puede “estar más alegre que unas Pascuas” sin “dar la matraca”, instrumento de madera de sonido ronco usado para simular el ruido de un terremoto en el Oficio de Tinieblas del Viernes Santo, y cantar como Joan Manuel Serrat los versos de Antonio Machado:

Dijo una voz popular:

“¿Quién me presta una escalera

para subir al madero,

para quitarle los clavos

a Jesús el Nazareno?….”.

Texto: Carmen Domingo (Efe) | Madrid.

 

Los Alimentos de la Última Cena.

Posted in Artículos by Alguien on 5 abril 2009

 

Texto: Maribel González. Magazine. El Mundo. Nº 4957. 05.04.09

 

Se celebró hace unos 1979 años y ha pasado a la Historia como la cena más famosa de la Humanidad, a pesar de que el menú que en ella se degustó siga siendo hoy en día un misterio. Si nos ceñimos a la literalidad de lo escrito en los evangelios, Jesús y sus 12 apóstoles debieron de despacharse aquella noche con un refrigerio donde el pan y el vino fueron los indiscutibles protagonistas.

 

Sin embargo, es de suponer que en la mesa de aquel grupo de amigos –que compartían mantel por última vez – tenía que haber otros alimentos a los que los evangelistas no dieron importancia. Y durante mucho tiempo, se creyó que esos alimentos eran cordero y hierbas amargas.

 

Claro que la parquedad de detalles culinarios de las Escrituras no es de extrañar. No en vano, y según su relato, aquella noche tuvieron lugar dos de los acontecimientos más relevantes del cristianismo, así que entra dentro de la lógica que el aspecto puramente gastronómico de la celebración quedara en un segundo plano. En primer lugar, y en medio del ágape, Jesucristo anunció, ni más ni menos, que uno de los comensales era un traidor: «Al atardecer, estaba a la mesa con los Doce y, mientras comían, dijo: “Yo os aseguro que uno de vosotros me entregará. Muy entristecidos, empezaron a preguntarle uno por uno: “¿Seré yo, Señor?”. Y él respondió: ‘El que acaba de servirse de la misma fuente que yo, ése me va a entregar’» (Mateo 26, 20-23).

 

¿Qué alimentos había en esa fuente? La pregunta ni se les debió de pasar por la mente a los evangelistas, concentrados en relatar un asunto tan serio como la traición de Judas Iscariote, quien, a la sazón, acababa de retirar su mano de la citada fuente… Para más inri, el propio Judas fue el responsable del menú de aquella Última Cena, ya que, según la tradición cristiana, era el tesorero del grupo y se encargó personalmente de adquirir las viandas que en ella se degustaron. Y conociendo su carácter pesetero (vendió a Jesús por 30 monedas de plata…) es de suponer que no sería muy espléndido.

 

Fuera cual fuera el menú pagado por Judas, los Trece digirieron como pudieron la noticia bomba de su deslealtad y continuaron cenando hasta que Jesús tomó los dos únicos alimentos citados en los Evangelios, el pan y el vino, para realizar el acto que se considera fundacional de la Iglesia católica: la institución de la Eucaristía. «Durante la cena, Jesús tomó el pan, pronunció la bendición, lo partió y lo dio a sus discípulos, diciendo: “Tomad, esto es mi Cuerpo’. Luego tomó una copa, dio gracias, se la entregó y todos bebieron de ella. Y les dijo: “Esta es mi Sangre, la Sangre de la Alianza, que se derrama por todos. Os aseguro que no beberé más del fruto de la vid hasta el día en que beba el vino nuevo en el Reino de Dios”» (Marcos 14, 22-25).

 

Cordero pascual. Evidentemente, la transustanciación del pan y el vino en el cuerpo y sangre de Jesucristo fue el momento cumbre de aquel convite. Y los evangelistas, lejos de dedicar un solo versículo más a relatar si los allí reunidos tomaron postre o café, pasan sin más a la descripción del resto de acontecimientos que tuvieron lugar esa noche (el apresamiento de Jesús, la negación de Pedro…).

Con tan pocas alusiones explícitas a la comida, Javier Sierra, periodista y autor, entre otros libros, de La cena secreta (Ed. Plaza & Janés Editores), explica que «sólo podemos elucubrar el posible menú de aquella importante cena, basándonos en la tradición que la Iglesia católica popularizó a partir del siglo IV».

Apoyándose en esa tradición, la opinión más extendida siempre ha sido que comieron cordero asado, hierbas amargas, vino y pan ácimo, es decir, preparado sin levadura. La creencia se sustenta en que ése era precisamente el menú que, según el libro del Éxodo (Ex 12, 1-12), Dios ordenó tomar para celebrar la fiesta de la Pascua (que conmemora el día en que el pueblo judío fue liberado de la esclavitud y conducido a la Tierra Prometida). Y como los evangelios de Mateo, Marcos y Lucas –llamados sinópticos por las similitudes que hay entre ellos– sitúan cronológicamente la Última Cena en el día de la Pascua, desde tiempos inmemoriales se dio por sentado que los Trece debieron de decantarse por una elección gastronómica de lo más ortodoxa. «Llegó el día de la fiesta de los panes sin levadura, en que debía inmolarse el cordero pascual, y Jesús envió a Pedro y a Juan, diciendo: ‘Encargaos de prepararnos la cena de la pascua’» (Lucas 22, 7-8).

Pedro Tarquis, biblista y miembro de la Alianza Evangélica Española, asume esta explicación de menú tradicional: «Nunca ha sido motivo de debate si comieron carne o pescado, y aunque es cierto que puede haber fundamentos a favor de ambos alimentos, los evangelistas nos inclinamos por la opción del cordero de un año y sin imperfecciones, acompañado de pan ácimo y vino». Sin embargo, desde hace unos años, la versión que San Juan escribió en su evangelio sobre cómo y cuándo trascurrieron los hechos ha empezado a cobrar fuerza, sobre todo entre los católicos.

Y, gastronómicamente hablando, esta teoría de San Juan no es baladí ya que echa por tierra el menú que hasta la fecha se había considerado más plausible: según este evangelio, no pudieron comer cordero porque aquella reunión se produjo un día antes de la tradicional fiesta judía: «Antes de la pascua, sabiendo Jesús que había llegado su hora de pasar de este mundo al Padre […]. Después condujeron a Jesús desde la casa de Caifás hasta el palacio del Gobernador. Era muy temprano. Los judíos no entraron en el palacio para no contraer impureza legal y poder celebrar así la cena de Pascua» (Lucas 13, 1; 18, 28).

En 2007, durante la celebración de la misa de Jueves Santo en la basílica de San Juan de Letrán (Roma), el propio papa Benedicto XVI refrendó la mayor precisión histórica de Juan a la hora de situar la fecha de la Última Cena, e introdujo una sustancial variación en el sacro banquete. «Jesús celebró la Pascua con sus discípulos probablemente con el calendario del Qumran, y por tanto un día antes de la Pascua judía y fue celebrada sin el cordero, como la comunidad Qumran, que no reconocía el templo de Herodes», proclamó el pontífice.

¿Y si Comieron pescado? Cinco siglos antes de que Benedicto XVI hiciera públicas sus dudas sobre el menú de aquella cena, Leonardo da Vinci ya sirvió en su interpretación pictórica de los hechos una comanda mucho más vegetariana y moderna de lo que cabía imaginar: anguila a la parrilla decorada con rodajas de naranja y granada. Ahí queda eso.

Desmontando el mito de que la nueva cocina y las recetas de largo y rimbombante nombre son un invento del siglo XX, el genio italiano se atrevió a pintar, en el refectorio del convento dominico de Santa María de las Gracias en Milán (Italia), La Última Cena más apócrifa de cuantas se han realizado y que, pese a todo, se ha convertido en el icono universal de aquel acontecimiento. La obra es tan diferente a lo que se había hecho hasta entonces, y encierra tantas contradicciones doctrinales, que ha inspirado no pocos y rentables libros dedicados a desentrañar sus misterios.

Y aunque quizá algunos quieran descubrir enigmas donde no los hay, lo cierto es que Leonardo no respeta ninguno de los elementos que tradicionalmente la iconografía cristiana había utilizado a la hora de representar la Última Cena: «Para empezar, no pinta el momento de la consagración, sino el del anuncio de la traición de Judas, pero no es fácil encontrar al apóstata, ya que ninguno de los apóstoles luce halo de santidad y el traidor no aparece delante de la mesa o en escorzo, como solía ser habitual. Para colmo, el único que tiene pinta de malo es Pedro, que lleva un cuchillo en la mano y agarra por el cuello a Juan, el discípulo amado, que, a su vez, no se apoya en el pecho de Jesús, como dice el Nuevo Testamento, sino que más bien, parece alejarse de Él», relata Javier Sierra. En su opinión, el cuadro está planteado como un acertijo y es tan aplastantemente heterodoxo porque «Leonardo era todo menos un buen cristiano».

No podía ser menos, en lo que a la comida se refiere, Da Vinci también se saltó todos los cánones comúnmente aceptados hasta la época. «Pescado en lugar de carne, el alimento fundamental de la dieta hebrea; naranjas y granadas en lugar de hierbas amargas; ni rastro del cordero pascual… Su menú es tan políticamente incorrecto como el resto de la obra, aunque durante años, debido al mal estado de la pintura, este tema pasó desapercibido», sentencia Sierra.

En efecto, La Última Cena sufrió numerosos daños casi desde el momento en que Leonardo dio su última pincelada, ya que el maestro utilizó una técnica experimental –pintó con óleo sobre yeso seco– que resultó muy poco duradera. Tras innumerables intentos de conservación, el estado del mural llegó a ser tan desastroso, y a parecerse tan poco al original, que en 1977 se decidió realizar una restauración definitiva que tardó en culminarse la friolera de 20 años.

Gracias a ella, el historiador John Varriano, profesor de la Universidad de Massachussets, pudo llevar a cabo una inspección exhaustiva del cuadro en la que descubrió con estupor que lo que hasta entonces se habían creído cuartos de asado eran en realidad tajadas de anguila, y que esparcidos por la mesa, además de trozos de pan, había nítidos gajos de naranja y semillas de granada.

Hoy, el novedoso menú, y otros detalles hasta ahora imperceptibles del cuadro, pueden observarse en todo su esplendor en la página web http://www.haltadefinizione.com, donde una fotografía en alta definición, que tiene una calidad de 16.000 millones de píxeles, deja al descubierto todos los secretos que, según algunos autores, Da Vinci escondió en su obra.

Tradición y modernidad. Según el divertido –y apócrifo– Notas de cocina de Leonardo da Vinci (Ediciones Temas de Hoy) esos platos que sirvió el maestro en su obra cumbre no son sino el reflejo de una pasión frustrada que marcó la vida del genio humanista: el amor por la el arte de la cocina. «Fue un impenitente gastrónomo a la vez que un cocinero tan refinado y sensible como visionario e incomprendido. Fracasó como jefe de cocina de la taberna florentina Los tres caracoles y fue un desastre como maestro de festejos y banquetes de Ludovico el Moro, señor de Milán», escribe José Carlos Capel en la presentación.

Según el libro, que teóricamente está basado en notas y recetas del maestro recogidas en el Codex Romanoff, Leonardo fue una suerte de Ferran Adrià adelantado a su tiempo cuyas creaciones culinarias estaban siglos por delante de los gustos de la época. Basten como ejemplo algunos de los platos que plasmó en los bocetos de La Última Cena: criadillas de cordero a la crema, ancas de rana con verduras, muslos de focha con flores de calabacín, puré de nabos con rodajas de anguila…

Hay quien dice que finalmente se decantó por la anguila porque este pescado se encontraba entre sus platos preferidos. Otros aseguran que eligió ese menú porque Leonardo era tan vegetariano como lo eran los miembros de la herejía cátara con la que comulgaba. Sea por la razón que fuere, lo que está claro es que la receta que ideó hace 500 años compite en modernidad con los platos que 12 destacadísimos chefs han creado para Magazine, tratando de imaginar lo que cocinarían para cada uno de los apóstoles y para Jesucristo en su Última Cena.

Como el lector puede apreciar, los pescados y verduras ganan a las carnes por mayoría en las sugerencias de nuestros cocineros, quizá influidos por esa tradición que lleva a los católicos a privarse de la carne durante los viernes de Cuaresma y Semana Santa. Claro que esta tradición, como el supuesto menú de la Última Cena, también está siendo en la actualidad revisada por la Iglesia católica.

Como muestra, la carta que José Ignacio Munilla, Obispo de Palencia, ha remitido a sus fieles animándoles a realizar este año un sacrificio más adecuado para los tiempos que corren: «Me atrevo a proponer un ayuno muy saludable para todos en esta Cuaresma (…). Me refiero al ayuno de televisión e Internet, cuyo consumo está alcanzando niveles de auténtica esclavitud entre nosotros». Cosas del siglo XXI…

Historias Paralelas: Dalí, Dante y La Divina Comedia.

Posted in Fragmentos by Alguien on 30 marzo 2009

Infierno

 

“A mitad del camino de la vida, en una selva oscura me encontraba porque mi ruta había extraviado. ¡Cuán dura cosa es decir cuál era esta salvaje selva, áspera y fuerte que me vuelve el temor al pensamiento! Es tan amarga casi cual la muerte; mas por tratar del bien que allí encontré, de otras cosas diré que me ocurrieron”. (…) © Infierno. La Divina Comedia.

 

 

Purgatorio

 

“Por surcar mejor agua alza las velas ahora la navecilla de mi ingenio, que un mar tan cruel detrás de sí abandona; y cantaré de aquel segundo reino donde el humano espíritu se purga y de subir al cielo se hace digno. Mas renazca la muerta poesía, oh, santas musas, pues que vuestro soy; . y Calíope un poco se levante, mi canto acompañando con las voces que a las urracas míseras tal golpe dieron, que del perdón desesperaron”.(…) © Purgatorio. La Divina Comedia. 

Paraíso

“La gloria de quien mueve todo el mundo el universo llena, y resplandece en unas partes más y en otras menos. En el cielo que más su luz recibe estuve, y vi unas cosas que no puede ni sabe repetir quien de allí baja; porque mientras se acerca a su deseo, nuestro intelecto tanto profundiza, que no puede seguirle la memoria”. (…) © Paraíso. La Divina Comedia

 

Andy Warhol en el Grand Palais de París.

Posted in Andanzas by Alguien on 18 marzo 2009

Warhol’s Wide world es el título de la retrospectiva del gran genio del arte pop Andy Warhol (1928-1987) que se podrá ver en el Grand Palais de París a partir de hoy y hasta el 13 de julio de 2009.

Del 18 de marzo al 13 de julio de 2009.

El artista norteamericano Andy Warhol pintó en 1962 los retratos de la mítica Marilyn Monroe, de su rival Liz Taylor, reinterpretó La Gioconda y al Rey del rock, Elvis Presley. A partir de 1967 y hasta su muerte, en 1987, hizo por encargo y según un proceso que acabó sistematizando, los retratos de decenas de personalidades de todo tipo, famosas o no, devolviendo así cierto honor a un género olvidado al que aplicó nuevos códigos estéticos. «En ese espejo, todo ese gran y pequeño mundo se mira fascinado», reza la presentación de «El gran mundo de Andy Warhol», la muestra que trae al Grand Palais de París 250 retratos del artista desde hoy hasta el 13 de julio.

Junto a estrellas de cine y de la música, se podrán encontrar rostros de artistas, coleccionistas y marchantes, hombres políticos, modistos y personalidades de la jet set. Conocidos o no, todos ganan un poco con el aura que les da el genio de Warhol que, con esta serie de retratos, dibuja también el cuadro de toda una sociedad y pone en marcha una nueva forma de producción artística, en serie, casi industrial.

Estos retratos sólo habían sido expuestos anteriormente una vez de manera retrospectiva y fue en el Whitney Museum en 1979, donde se exhibieron únicamente 50 piezas, lo que convierten a esta cita, en única.

Warhol hizo estos retratos en The Factory, su taller de Nueva York donde a principios de los años sesenta desarrolla un proceso sistemático: maquilla y fotografía a sus modelos con una Polaroid, selecciona los clichés, pinta y los traslada a serigrafía. En París podrán verse doscientas cincuenta obras de las miles que pintó desde principios de los sesenta con la ambición de recuperar el efecto del principio de repetición que Warhol tenía en mente al realizar su obra. La Unión de Museos Nacionales (RMN) de Francia presenta así por primera vez este considerable conjunto de cuadros que constituye un archivo sin precedentes en la historia de la pintura y de la fotografía. «Todos mis retratos tienen que tener el mismo tamaño para que encajen todos juntos y formen un gran cuadro llamado “Retratos de sociedad”. ¿Es una buena idea, no? A lo mejor el Metropolitan lo querrá algún día», dijo el artista. La muestra parisina ha sido organizada por la RMN gracias a un préstamo excepcional del Andy Warhol Museum de Pittsburgh.

Sitio Oficial │Grand Palais.

Andy Warhol Museum.

 

Ilya & Emilia Kabakov en CAC Málaga. Bajo La Nieve

Posted in Andanzas by Alguien on 2 marzo 2009

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC Málaga) presenta por primera vez en España Under the snow” (Bajo la nieve) una exposición de Ilya & Emilia Kabakov, dos de los artistas rusos más importantes e influyentes del mundo, además de un emblema del arte conceptual ruso, que se vieron obligados a abandonar la Unión Soviética, para poder exponer en público su obra.

27 de febrero al 31 de mayo 2009

La exposición se compone de veintitrés pinturas de gran formato y treinta y cinco acuarelas y dibujos a lápiz que, según Ilya Kabakov (Dnipropetrovsk, Ucrania, 1933), no se pueden considerar meros estudios preparatorios, sino obras independientes por derecho propio. Este conjunto de pinturas y obras en papel, de delicados colores, reúne varios géneros: abstracción, paisajes e historia. Lo que supone toda una novedad teniendo en cuenta que el artista se ha dedicado fundamentalmente a las instalaciones desde 1990.Con formas irregulares como las huellas que dejan las pisadas en la nieve recién caída o simulando los retazos de paisajes que se aprecian a través de las nubes al mirar por la ventana de una avión, el artista muestra las huellas del pasado más reciente de la antigua Unión Soviética.

«La nieve que cubre todas las escenas de los cuadros representa la memoria. Como la nieve oculta la tierra, el olvido puede ocultar los recuerdos. Sin embargo, si se rasca un poco la superficie, bajo la nieve aparece el suelo y bajo la memoria, los hechos que buscamos».

  Sitio Oficial │CAC Málaga

Más información │Diario Sur.

 

Picasso en la National Gallery.

Posted in Andanzas by Alguien on 26 febrero 2009

Pablo Picasso (1881-1973) se midió con grandes maestros de la pintura europea a lo largo de toda su vida. La National Gallery de Londres inaugura una muestra que lleva por título “Picasso: desafiando al pasado”, en la que se explora la manera en que el pintor malagueño respondió a los retos técnicos que plantearon pintores del pasado.

Del 25 de Febrero al 7 de Junio de 2009.

Sitio Oficial │The National Gallery

Más información │Picasso, un guiño al pasado.

La Bella Durmiente en el Museo del Prado.

Posted in Andanzas by Alguien on 24 febrero 2009

Del 24 de febrero al 31 de mayo de 2009

El Museo del Prado presenta por primera vez en España una selección de pintura inglesa del siglo XIX procedente del Museo de Arte de Ponce, que ofrece al público español una ocasión única para contemplar lienzos tan célebres como Sol ardiente de junio de Frederic Leighton o la monumental obra maestra de Edward Coley Burne-Jones, El sueño del rey Arturo en Avalón.

La exposición, patrocinada por BBVA y organizada gracias a la generosidad del Museo de Arte de Ponce de Puerto Rico (coincidiendo con el cierre por renovación y expansión de sus instalaciones),  está compuesta por 17 obras que proporcionarán a los visitantes la oportunidad de familiarizarse con la pintura inglesa del siglo XIX y, al mismo tiempo, darán a conocer una parte destacada de la colección del museo puertorriqueño.

La selección incluye, además de las citadas, obras de artistas como John E. Millais (1829-1896), Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), Thomas Seddon (1821-1856) y William Holman Hunt (1827-1910) pertenecientes a distintas etapas de la Hermandad Prerrafaelita, movimiento surgido en 1848 cuyo objetivo inicial era reformar la pintura inglesa contemporánea -regida por las líneas conservadoras establecidas por la Royal Academy - basándose en una nueva visión de la naturaleza y en la búsqueda de la inocencia estética de los pintores del primer Renacimiento.

Sitio Oficial │Museo del Prado.

Más información (PDF: 153 Kb)

 

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